Denise Treizman: del basurero a la galería de arte

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Panamá, cine, escribir, café y aspiradoras.
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Denise Treizman, chilena basada en NY, trabaja con found objects y elementos abandonados en la calle, a los que le da nueva vida y sentido en cada obra. Nos conocimos en la exposición “Constructing Painting” comisariada por ArsCoco en Madrid, septiembre 2017. 

¿Recuerdas cuál fue el primer elemento que rescataste de la calle y lo llevaste a tu estudio? ¿Cuál ha sido el último?

 

Para recordar he tenido que recurrir a Catia Guimaraes, amiga y artista portuguesa con quien juntas caminábamos por NY buscando objetos en nuestra residencia de verano. Diría que fue una pelota azul inflable para ejercicios de pilates, unas persianas blancas, y unas cajas de huevos que luego pinté blancas y me parecían atractivas por su textura. El último que recogí fue un trampolín, probablemente desechado por un gimnasio de la zona.

 

Spartan Follies (2016)

 

Hay mucho tono naïf, infantil, jocoso y juguetón en tus obras… En una entrevista mencionas que detrás de estas obras también hay un poco de tristeza. ¿Por qué este diálogo con la tristeza en obras de apariencia tan divertidas?

 

El tono juguetón es algo muy característico de mi obra. Aparece de manera natural por la manera en que las creo, por los colores que uso, y por los materiales llamativos que muchas veces incitan a querer tocarlos, pero generan frustración en el espectador, al no poder hacerlo. Yo misma intento jugar con los objetos, improvisar y divertirme en el proceso, como una forma natural de conectarme con los materiales. Sin embargo, cada objeto que encuentro en la calle ya tiene una carga emotiva, una historia detrás. No siempre se trata de tristeza o un de un evento “traumático”, pero sí para mi hay un cierto grado de melancolía incorporado en el material mismo y en general en el acto de deshacerse de un objeto. Al menos a mi en lo personal me cuesta mucho evadir la tendencia a acumular.. Son cosas en las que pienso al crear, e inevitablemente eso se traspasa inconscientemente en la obra.

 

Pouring Glow (2011)

 

¿Qué relación tiene Nueva York con tus obras? ¿Y Chile?

 

Creo que la relación con NY es muy fuerte. Yo comencé mi carrera artística ahí y mi relación con los objetos está marcada por mi primera experiencia de pasar un verano en una residencia en NY, antes de irme a vivir ahí. No podía creer que dejaran tantas cosas acumuladas en la calle, cosas que parecían aun en perfecto estado.

 

Undressed (2012) - Chelsea, Nueva York

Era un contraste enorme con Chile, donde existe una cultura de aprovechar más y regalar lo que ya no usas a alguien – no verías un sofá o una televisión en medio de la acera. Esa experiencia me marcó y fue allí donde empecé a experimentar con los objetos en la calle misma, haciendo intervenciones urbanas y también recogiendo algunos para llevar a mi estudio. Mi interés por usar “found objects” en mi obra se relaciona absolutamente con estar en NY. Pero no sólo en el uso, también la manera casual de acomodarlas y combinar elementos tiene mucho que ver con el “cómo” estos objetos son dejados en la calle.

 

“el sólo hecho que les haga cuestionarse si es Arte o no implica que la obra ya está funcionando”

 

Me encanta el Snow Cake – un videoarte en donde un pastel hecho de un bloque de nieve sucio con tres velas se derrite hasta desaparecer y quedar sólo suciedad. ¿Qué quieres decir con esta obra?

 

La obra nace a partir de mi primera tormenta de nieve en NY. Acostumbrada a recoger objetos, la tormenta dejó todo enterrado y el panorama completamente blanco me tenía nublada, hasta que me surgió la idea de usar la nieve como material. Luego pensé en usar algo completamente opuesto, pero que también tuviese la capacidad de derretir. Y así se incorporaron las velas, en mi mente para generar una especie de competencia- sin sentido ninguno- entre materiales y su capacidad de sobrevivencia.

 

Party Extra Light (2014)

Algo que nace de manera completamente lúdica terminó transformándose en una obra súper poética, que tiene humor pero también lecturas más profundas en relación a lo pasajero, a lo efímero, a la existencia propiamente tal. En mi obra en general no intento decir algo muy específico, me interesa más que cada espectador complete la historia de acuerdo a sus propias experiencias y asociaciones.

 

“Necesito caminar, viajar y vivir lo cotidiano para inspirarme, no soy de pasar horas encerrada en el taller”

 

Untitled y Donut Man (2015)

 

Se podría decir que uno de los ready-mades más famosos en la historia del arte es la Fuente (1917) de Marcel Duchamp. En esta obra, el artista firma un urinal con su pseudónimo y lo presenta a una exposición. Al ser presentada a la Sociedad de Artistas Independientes, la obra es rechazada, pero también fue aclamada por muchos – esto hizo que muchas personas se preguntaran: ¿dónde está la frontera del arte? Tú que piensas respecto a esto, ¿qué significa arte para ti?

 

Para mí tiene que ver con una forma de vivir mi día a día, intento no pensar en el arte como algo separado, como un trabajo aparte. Soy artista 24 horas del día, y produzco de manera impulsiva. Camino y miro con ojos de artista, interrumpo mi rutina para recoger algún objeto o para comprar un material sin necesariamente saber cómo va a terminar incorporado en mi obra. Las mejores ideas para mi vienen de la calle. Necesito caminar, viajar y vivir lo cotidiano para inspirarme, no soy de pasar horas encerrada en el taller.

Mi trabajo está en la frontera de la pintura y escultura no tradicional. A muchos espectadores les resulta perturbador, difícil de entender e incluso no apto para calificar como Arte. Para mi el sólo hecho que les haga cuestionarse si es Arte o no implica que la obra ya está funcionando, está creando una experiencia memorable y que logra cambiar aunque sea mínimamente la manera de ver las cosas y las expectativas con respecto a lo que se puede considerar una obra de arte o no. Que una persona luego comience prestar atención a cosas en la calle que antes no percibía, porque hace asociaciones con los materiales que yo uso en mi trabajo, me dice algo. La experiencia trasciende lo que vieron en la galería.

 

Pink & Chili (2010) - Centro histórico, Ciudad de México

 

La mayoría de tus obras viven en fotografías – por ejemplo las Street Interventions que probablemente al día siguiente alguien habrá limpiado, o pedazos de carros o letreros que después pasaron a formar parte de otra obra… ¿no te da tristeza que estas obras no vuelvan a existir después? ¿Qué aprendes de este desapego hacia la obra finalizada?

 

Uno genera lazos con todas las obras, incluso con los materiales. Es por eso que se me hace tan difícil desapegarme incluso de retazos o trozos de materiales completamente genéricos que guardo como si fuesen un tesoro. Pienso que los puedo necesitar en un futuro, para otra obra, o para recrear la obra en otro espacio. La mayor parte de las veces eso no sucede, termino creando obra nueva, que me estimula más. Pero tener los objetos en una bodega me da tranquilidad mental.

 

Hasta la Vista, Maybe (2016)

 

El año pasado tuve una muestra llamada “Hasta la Vista, Maybe” donde lleve materiales que tenía guardados en una bodega desde el 2013 (cuando terminé la maestría) para crear una instalación en Wave Hill en el Bronx. En ese proceso me deshice de todo lo que no usé en la exposición. Fue emocionalmente fuerte para mí, pero sentía que tenía que hacerlo, como una especie de “cleanse”, de limpieza física y emocional para dar paso a una nueva etapa. Me gustó la idea y es algo que pienso continuar haciendo periódicamente a lo largo de mi carrera.

 

Constructing Painting: obras de Pablo Carpio y Denise Treizman

 

Actualmente estás mostrando en Madrid la exposición Constructing Painting, una colaboración con Pablo Carpio. ¿Cómo ha sido esta colaboración?

 

Con Pablo nos conocimos en NY y desde el inicio hubo afinidad entre nosotros y nuestras obras. Siempre pensamos en mostrar conjuntamente. A nivel de materiales, colores y gestos, había un lenguaje común. Cuando me invitó a participar en Hybrid Festival con Espacio Vista para mostrar juntos, no lo dudé. La instalación fue súper dinámica, nos entendimos a la perfección e inclusive terminamos creando espontáneamente algunas piezas en colaboración, al usar elementos que cada quien antes concebía como una obra separada.

 

“Si mi arte hace feliz a otros, o genera un momento de pausa, de descolocación (…) yo ya me doy por satisfecha”

 

¿Qué proyecto te ilusiona del futuro?

 

Me gustaría internacionalizar más mi obra, y en ese sentido la exhibición de Madrid, comenzar a trabajar con ArsCoco, por ejemplo, me hace mucha ilusión. Tengo también una muestra individual en 2018 en Proto Gallery, galería que me representa en Hoboken, NJ y ya estoy trabajando para eso. Además ahora en Octubre participaré en “Art in Odd Places”, un festival de arte y performance en la calle 14 Street de Manhattan, donde por primera vez realizaré una performance colaborativa con unos de mis objetos en la calle.

 

¿El arte es necesario para ser feliz?

No sé si para todo el mundo, pero para mi sí. Si no puedo crear, no puedo ser feliz. Y si mi arte hace feliz a otros, o genera un momento de pausa, de descolocación, de salir de lo común, de ver las cosas de una manera diferente, o simplemente de belleza y satisfacción, yo ya me doy por satisfecha.

 

ArsCoco es una iniciativa de tres chicos jóvenes en la que ofrecen a las nuevas generaciones de coleccionistas de arte una manera fácil y directa de acceder a la obra de artistas emergentes altamente cualificados, nutriendo la comunicación internacional entre ellos.

ArsCoco organiza una serie de eventos al año para fomentar las relaciones entre coleccionistas/interesados del arte y artistas. En la última exposición dentro del circuito de la feria de Hybrid, “Constructing Painting”, se presentaron las obras de Pablo Carpio y Denise Treizman. Algunas de estas obras formarán parte de la colección online de ArsCoco. Puedes visitar la exposición “Constructing Painting” hasta el 15 de octubre en el Espacio Vista, Madrid.

 

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